Pocos temas hay en el cine que sean más tabú que el incesto. Es precisamente una temática que pocos se han atrevido a abordar, más que nada por las implicaciones que conlleva. No obstante si que hay algunas películas que centran su trama precisamente en el incesto, mientras que otras lo abordan por encima.

Hay un video en el que hablan de unas cuantas películas basadas en el incesto, está en youtube. No obstante la película sobre la que vamos a hablar hoy se llama "Spanking the monkey".

 

Esta película se basa principalmente en la relación que un hijo tiene con su madre. Ella sufre un pequeño accidente casero que impide que pueda valerse por si misma, por lo que tiene que llamar a su hijo para que la ayude hasta que se recupere. Las escenas de tensión sexual son inminentes, por parte principalmente del hijo... que no puede evitar excitarse ante su madura pero bella madre.

Al final, como era previsible madre e hijo tienen relaciones sexuales, convirtiéndose en una escena de incesto porno totalmente increible. A partir de ese momento todo empieza a cambiar, y lo que parecía una película de corte erótico e incluso cómico... se convierte en un auténtico drama digno de ver.

La película, aunque tuve un presupuesto muy reducido fue muy bien aceptado por los espectadores, pasando a la historia como una película de incesto entre madre e hijo.

Los Ángeles es una ciudad muy conocida por muchos aspectos, pero también por los rumores sucios y sórdidas historias susurradas y escándalos que llegaron a su punto álgido en la época dorada de Hollywood, cuando moralistas públicos supuestamente puritanos enmascaraban asuntos ocultos y la sexualidad desenfrenada de las estrellas. 

Desde un actor principal que era amante de las heces hasta una estrella que murió en extrañas circunstancias, tenemos los rumores más sucios a la gracia de los libros de historia de Hollywood. El sexo está presente en cualquier lugar y solo Dios sabe las historias que nos habremos perdido, seguramente historias que pasan desde el incesto hasta el sadomasoquismo, aunque desgraciadamente para los más cotillas, eso nunca saldrá a la luz.

El actor Charles Laughton escribió en sus memorias: Mis aventuras en Hollywood y la vida sexual de las Estrellas. 

Scotty Bowers dijo haber dormido o tenido relaciones sexuales con cientos de las celebridades más conocidas de la época dorada de Hollywood. En una de las historias más impactantes en su libro, revela el fetiche secreto del actor británico Charles Laughton. Según Bowers, el actor le pidió que fuera a su casa con un invitado a una orgía ya que habrían muchos chicos, hombres para pasar con ellos varios días mientras su esposa estaba fuera. Cuando llegaron a casa, Laughton comenzó a hacer un sándwich, rebanando la lechuga y el tomate y colocándolos en un pan de masa fermentada con un poco de jugo de limón y un poco de sal y pimienta. Finalmente, después de unos minutos de trabajo de la preparación, el actor tomó las rebanadas de pan en una mano, cogió un bote con otra, y le preguntó al joven que lo siguiera al cuarto de baño. 

Esto es lo que sucedió a continuación de acuerdo a Bowers : "Charles fue el primero en volver. Se puso la placa con las rebanadas de pan en la mesa de la cocina. Pude ver que la lechuga y los tomates habían sido ligeramente untados con una sustancia de color marrón claro. Segundos después, Ted apareció en la cocina. Su erección se había ido y estaba buscando decididamente tener otra, tal vez incluso un poco avergonzado por la situación. Lo miré con curiosidad, y él disimuló, con la esperanza de que Charles no se diera cuenta. Después, señaló a las rebanadas de pan en el plato y luego le palmeó ligeramente el trasero. Finalmente se comió el bocadillo.

Esta es solo una de las miles de historias que sucedieron en el Hollywood de los años 20, pero sin lugar a dudas es de las más extrañas y escatológicas que podréis escuchar, poco a poco iremos contando más porque primero hay que digerir esta un poco...

El sonido en el cine

Todos sabemos que en la primera película muda no había sonido y posteriormente si. Pero eso no es toda la historia. Ya antes de que las películas se hablara aún se hicieron escuchar a través subtítulos y acompañamiento musical. Y tras la introducción del micrófono, aún hay dudas sobre de qué forma usaron la tecnología. He aquí una breve descripción de la evolución del sonido.

Si bien Edison no ideó la película, se concibe que este medio visual y su fonógrafo serían el detonante para hacer cine sonoro, ya que estaba ocupado tratando de inventar la película de sonidos prácticamente desde el nacimiento del cine, y desde 1885 se intentó que el sonido en las películas llegara a ser comercialmente viable.

Los inventores y empresarios debían superar múltiples inconvenientes antes de que el sonido fuera admitido. Primeramente, el público del cine mudo parecía muy feliz con las películas mudas, pese a que las películas jamás estuvieron totalmente en silencio, prácticamente siempre y en todo momento estaban acompañadas por música de algún tipo: desde un foso de la orquesta multipieced para grandes aberturas, a un solo de piano, o bien una guitarra o cualquier persona en una pequeña urbe que supiera tocar el instrumento más grande.

Al comienzo, las películas eran frecuentemente acompaádas por un narrador en vivo, que explicaría la acción en pantalla para el público. "intertítulos" tarjetas -aquellos entre instantes de explicaciones de acción-contenida de acción, o bien instantes esenciales de diálogo, o bien aun fragmentos de poesía para establecer el estado anímico de las personas.

Además de esto, por la década de mil novecientos veinte, la escritura sigilosa de la película, la actuación, la fotografía, y la música habían alcanzado un pináculo estético: muy sutiles matices sensibles y la trama se podrían comunicar sin el empleo de cualquier género de diálogo que lo acompañara. En verdad, cuando la era del cine mudo llegó a su fin, los realizadores fueron capaces de comunicar sus historias con un mínimo de intertítulos.

En contraste a la invención de la película, las soluciones a estos inconvenientes estaban en una gran parte de América, gracias al resultado del trabajo de múltiples corporaciones americanas: RCA, Western Electric, AT & T, y Warner Brothers. 2 de esas empresas formaron una tercera, Vitaphone, lo que generó el primer sistema de sonido de manera comercial viable, fundamentalmente, un plato grande fonógrafo conectado a un proyector de películas con grandes cinturones de cuero, como correas o bien arneses. Pronto este aparato torpe se sustituyó por la tira ahora estándar de celuloide lista para el sonido que corre por el lado de la tira de la película, de forma que los 2 modos de audio y video se sincronizan.

Aun tras su invención, el sonido presentaba una serie de inconvenientes. Las cámaras de sonido y equipo primeras eran grandes y estruendosas, y debian ser mantenidas en una sala insonorizada, llamada "zepelín". Y se tomó un tiempo a fin de que alguien percatarse de que se podía desplazar el micrófono colocándolo en el extremo de un palo llamado "boom", sobre el rango de la cámara. Las películas sonoras de forma muy temprana tendieron a ser realmente estáticas pues los actores debían charlar con un micrófono estático, y el movimiento de las cámaras ya no tenía esa fluidez grácil y flexible que se había estado desarrollando desde hacía treinta años.

Era bien difícil para los escritores de escenas sigilosas encontrar el equilibrio conveniente en los scripts de sonido y la acción y el diálogo. Los estudios justificadamente tuvieron miedo a perder la audiencia internacional que habían tenido en la película muda. No obstante, una vez que se resuelvieron estos y otros de los primeros inconvenientes con el sonido, esta tecnología se transformó en otro elemento con los que los realizadores pudieron jugar y hacer así todavía más agradable la experiencia del usuario.

La década de 1990 en el cine fue la década del dinero, el mega-gasto y los efectos especiales, los ingresos de taquilla fueron en aumento, sobre todo en los complejos multi-pantalla Cineplex en todo el país. Si bien el presupuesto de la película promedio fue de prácticamente 53 millones de dólares americanos en mil novecientos noventa y ocho, muchas películas costaban más de cien millones, y ciertos éxitos de taquilla aún fueron todavía más caros. A principios de 1990, los ingresos de taquilla habían sumergido sensiblemente, debido en parte a la recesión económica de USA de 1991, mas entonces volvieron a subir en 1993 y continuado incrementándose. El costo promedio de gasto para una película varió al comienzo de la década. Como los multicines de interior se multiplicaron desde prácticamente 23 a 600 en el año dos mil, el número de autocines se fue reduciendo progresivamente.

Aún existía un énfasis desequilibrado en el primer fin de semana, con los informes muy frecuentes de los rendimientos de taquilla semanal, y las revisiones pedantes y valoraciones de los críticos. Hubo la creencia de que fue sostenido, las películas de alto presupuesto eran muy costosas y con efectos singulares y carísimos (incluyendo shoot 'em-ups, escenas de persecución estereotipadas, y gráfica violencia orquestada). No obstante, el movimiento de las películas se distribuía de forma independiente, asimismo se estaba probando que podía competir (tanto comercial como críticamente) con una producción costosa de Hollywood.

Las presiones sobre los ejecutivos de los estudios usuales a final de mes para que dieran grandes éxitos a las películas aumentó a lo largo de la década. Los mayores costos por término de salarios estrella de cine / celebridades y honorarios de agencia, la espiral de los costos de producción, las campañas promocionales, las etiquetas de costos costosos nuevamente de alta tecnología y efectos singulares digitales y CGI (imágenes generadas por computadora), estudios de mercado y pruebas costosas (en el peligro de desarrollar inquina, formulista, rancio, y sobre-producido películas), los scripts creados por el comité, las amenazas de huelgas de actores y escritores, y la comercialización del gran presupuesto contribuyeron al gasto excesivo inflado (para productos de calidad inferior) en la industria cinematográfica de Hollywood. El auténtico desarrollo de caracteres, personajes interesantes, parcelas creíbles, y también inteligente narración de historias frecuentemente padecieron en el proceso.

A mediados de la década de 1990, las gratificaciones y las demandas excesivas de las mega-estrellas en ocasiones alcanzaban proporciones escandalosas para muchas de las estrellas mejor pagadas (Arnold Schwarzenegger, Tom Cruise, Sylvester Stallone, Mel Gibson, Eddie Murphy, Kevin Costner, Harrison Ford, Robin Williams, Jim Carrey, Demi Moore, Julia Roberts, y otros). Frecuentemente demandaban la aprobación de la escritura ya antes de la grabación, como directivo y otras alternativas de fundición, la aprobación del empleo de imágenes para publicidad, las limitaciones a la programación de cine, pagados-estudio de los viajes en avión personal, múltiples "extras" (como un gimnasio personal y entrenador / nutricionista, servicio de limusina), la elección de la colocación de créditos (por servirnos de un ejemplo, sobre el título y con relación a otras estrellas), la incorporación de la desnudez y otras cláusulas relacionadas con el cuerpo '', y la aprobación final de corte. Por poner un ejemplo, Jack Nicholson podría no estar conforme con la grabación a lo largo de los partidos en la casa de baloncesto Los Angeles Lakers, y Harrison Ford, Kevin Costner y los estudios tenía que pagar a Tom Cruise los vuelos de sus aeroplanos privados.